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SE/EX

Federica Carta

BA, MA

BA Kuwi2 (Vertiefung) MA KuWi 5

21st -26th September 2026

This academic excursion to Florence is designed to provide students with an immersive exploration of the city’s transformation from the medieval period to the Renaissance. Over five days, participants will critically examine the architectural, artistic, and intellectual shifts that defined this era, with a focus on the interplay between tradition and innovation.

The itinerary includes visits to key sites such as the Uffizi Gallery, the Palazzo Vecchio, the Bargello and Orsanmichele. An excursion to Arezzo, with a visit of the Basilica of San Francesco, with Piero della Francesca’s cycle of the History of the Holy Cross, will provide a wider context. Students will analyze the evolution of artistic techniques, patronage systems, and urban development through tours of the city center and its main religious and civic buildings - the Duomo, the Battistero, Orsanmichele, and the Basilica of Santa Croce. The trip will also feature a visit to the Carmine and Brancacci Chapels, where the frescoes of Masaccio exemplify the transition to Renaissance.

The students will actively participate by presenting on selected artworks and architectural elements, fostering a collaborative and analytical approach to the study of this transformative period. This excursion aims to provide a rigorous academic experience, enabling students to contextualize Florence’s role as a catalyst for artistic and cultural renewal in Europe.

The attendance to the introductury session, with distribution of topics for the presentations on-site, on 20th May is mandatory. 

The excursion is limited to 18 participants.

Eine Lehrveranstaltung des DigiLab – https://www.tu.berlin/kwhistu/einrichtungen-services/digilab

SE: Painting in Venice – 1450-1500

Federica Carta, mit Marie-Luise Hugler und Neville Rowley (SMB-Gemäldegalerie)

BA Kuwi 2 /BA Kuwi 6/ MA Kuwi1

First session: April 15, 13:00-15:00; Selected dates (Einzeltermine) at the Gemäldegalerie: 29.04; 13.05; 27.05; 10.06; 24.06; 08.07, 13:00 to 16:00 (without Academic quarter)

Diathek and Gemäldegalerie

The Seminar, hold in cooperation with the SMB-Gemäldegalerie, will take a closer look to painting in Norther Italy in the second half of the 15th century through the Gemäldegalerie collections. Focusing on the two main artistic centers of Padua and Venice, it will address the changes in style and painting technique, considering examples from different formats and sizes – from small portraits to large narrative painting and altarpieces. Recent restorations and exhibitions at the Gemäldegalerie (Mantegna&Bellini, Tribute to Vittore Carpaccio) offer the opportunity to reconsider those artworks in a new light.

As the seminar will take place at the Gemäldegalerie, the number of participants is limited to 20.

Selected literature

Mantegna & Bellini, exhib. cat., Caroline Campbell, Dagmar Korbacher, Neville Rowley et. al. eds., London: National Gallery/Berlin:Staatliche Museen zu Berlin, 2018.

Babette Hartwieg, Neville Rowley. Zu Mantegna und Bellini : Provenienz, Kunsttechnologie und Restaurierung von Werken der Berliner Gemäldegalerie. Petersberg/Berlin, 2022.

Peter Humfrey, Painting in Renaissance Venice, New Haven/London, 1996

Eine Lehrveranstaltung des DigiLab – https://www.tu.berlin/kwhistu/einrichtungen-services/digilab

Digital Art History, an overview

RVL: Federica Carta // Eine Lehrveranstaltung des DigiLab

BA - MA

BA-KuWi4 / MA-KuWi3

Mittwoch, 18 Uhr – 20 Uhr

H 0111

This conference cycle on Digital Art History, is designed as an introduction to the transformative impact of digital tools on research, preservation, and the study of art. Organized in conjunction with the opening of the DigiLab, the series explores how digital methodologies – from image databases and metadata annotation to 3D reconstructions and virtual reality – are reshaping the discipline. Through presentations by leading scholars and hands-on workshops, students will gain practical insights into open-access platforms, collaborative annotation, and the evolving role of technology in art historical practice. The program aims to offer the knowledge and skills to engage critically and creatively with the digital future of art history.

The launch of the DigiLab marks an opportunity to examine how digital tools are reshaping art historical research. This conference cycle presents a series of lectures and workshops focused on the practical applications of digital methodologies in the field. Speakers will address key projects, including the Corpus Vitrearum Medii Aevi’s digital annotation efforts, the use of 3D technologies for reconstruction, and the integration of open-access platforms like Wikidata. The program is designed to provide both theoretical insights and hands-on experience, offering participants a comprehensive overview of current developments in Digital Art History.

The presentations will be in German or in English, according to the speaker

List of the speakers / provisional titles

15. April – F. Carta, Introduction

22. April – Isabella Nicka (Institut für Realienkunde des Mittelalters und der frühen Neuzeit, Universität Salzburg) REALonline

29. April – Lukas Fuchsgruber, (Wikimedia Germany), Wikimedia Commons and Wikidata

06. Mai – Chiara Capulli (Museo di Castel Sant’Angelo, Rome) From Data to Display: Digitisation, Reconstruction, and Knowledge Production in Digital Art History

13. Mai – Torsten Veit (Univesität Greifswad, Caspar-David-Friedrich-Institut), KI und andere digitale Werkzeuge in der Herrenhausforschung: ein Erfahrungsbericht

20. Mai – Matteo Burioni (Institut für Kunstgeschichte, LMU, München), Plafonds 3D

27. Mai – Lukas Fuchsgruber (Wikimedia Germany), Wikimedia Commons and Wikidata: hands-on session on metadata

10. Juni – Brett Renfer (The Metropolitan Museum of Art), New Technologies at the Met

17. Juni – Stephanie Schület (TU-Berlin), Corpus Vitrearum

24. Juni – Stephanie Schület (TU-Berlin), Corpus Vitrearum – hands-on session

01. Juli – Sabine de Günther (Fachhochschule Potsdam, Fachbereich Informationswissenschaften) Virtual Couture. 3D digitale Rekonstruktion und Animation.

08. Juli – Maria Effinger (Universitätsbibliothek Heidelberg, Cultural Heritage and Digital Humanities / NFDI4Culture)

Eine Lehrveranstaltung des DigiLab – https://www.tu.berlin/kwhistu/einrichtungen-services/digilab

VL

Prof. Dr. Kerstin Wittmann-Englert

BA/MA

BA KuWi 3, MA KuWi 2, MA KuWi 4, MA FW

Dienstag, 18-20 Uhr

H 0107

Die Architektur zwischen 1945 und 1989 wird heute zunehmend als eine in sich abgeschlossene, höchst heterogene Epoche begriffen. Entgegen der oft kolportierten „Stunde Null“ markiert der Beginn dieser Ära keineswegs einen radikalen Bruch. Vielmehr prägten personelle und stilistische Kontinuitäten – sowohl zum Nationalsozialismus als auch zu den Reformideen der 1920er Jahre – das Bauen der frühen Nachkriegszeit.

Im Zentrum der Vorlesung steht die Analyse der maßgeblichen Leitbilder und Bauaufgaben dieser Jahrzehnte in Ost- und Westdeutschland. Wir untersuchen im direkten Vergleich, wie die beiden politischen Systeme Materialien und Konstruktionsweisen nutzten, um ihre jeweiligen Vorstellungen von Staatlichkeit, Bildung und gesellschaftlichem Leben zu artikulieren. Konkreter formuliert: Wie will eine Gesellschaft nach 1945 leben, sich präsentieren und wie ist dies architektonisch zu formulieren? Das Spektrum reicht dabei vom skulpturalen Betonbau und der „organischen“ Moderne über den sozialistischen Klassizismus bis hin zur technoiden Ästhetik und dem industriellen Wohnungsbau der 1970er Jahre. Während Deutschland den räumlichen Schwerpunkt bildet, wird der Blick durch Verweise auf die USA und die ehem. UdSSR sowie auf unterschiedliche Konzepte der Aufbauplanung in europäischen Nachbarländern wie Frankreich und den Niederlanden geweitet.

Zu erörtern sein wird auch die aktuelle, kontroverse Auseinandersetzung mit diesem Erbe. Wir befinden uns an einem neuralgischen Punkt der Akzeptanz, an dem sich Fragen des Denkmalschutzes und der energetischen Sanierung mit dem Phänomen der Architekturrekonstruktion kreuzen. Am Beispiel der Debatten um den Berliner Palast der Republik und das Humboldtforum oder auch die Frankfurter Altstadt, die auf dem Areal des abgerissenen Technischen Rathauses entstand, wird diskutiert, wie Nachkriegsmoderne und Rekonstruktionswille als komplementäre Phänomene einer gesellschaftlichen Identitätssuche zu verstehen sind.

Themenspezifische Literaturhinweise folgen in den Einzelsitzungen.

SE
Dr. Robert Skwirblies
MA MA KuWi 1, 2, 3b, 6a, 6b
Do 14-16
A-F 072

Das Seminar widmet sich einem Bereich europäischer Kunst, der für Jahrhunderte impulsgebend war: der seit der Renaissance wiederentdeckten antiken Skulptur. Gemeint sind vor allem die klassischen, hellenistischen und römischen Werke, die in unüberschaubarer Zahl gesammelt, restauriert, nachgeahmt, vervielfältigt wurden und bis ins frühe 20. Jahrhundert als identitätsstiftender Maßstab sowohl der Kunstbetrachtung als auch des Kunstschaffens galten. Im Mittelpunkt steht hier der materielle Umgang mit den Werken und dessen Relevanz für deren Wahrnehmung: Wie wurden die zum Teil eben ausgegrabenen, fragmentarischen und beschädigten Werke aufgearbeitet, um sie (wieder) als Kunstwerke erfahrbar zu machen? Welche Werke wurden zu kanonischen, ja teils ikonischen Vorbildern, welche andere blieben im Hintergrund oder gerieten in Vergessenheit? Welche Impulse gaben sie der Kunst, im Original oder in der Nachbildung? Wie hing ihre größte Präsenz – in den akademischen Abgusssammlungen des 19. Jahrhunderts – mit ihrem tatsächlichen Bedeutungsverlust zusammen? Diesen und weiteren Fragen geht das Seminar anhand exemplarischer Werke und Quellentexte nach, die vom ausgehenden Mittelalter bis in die Moderne reichen.

Literatur zur Einführung:

Karlheinz Töchterle, s. v. Antikenrezeption, in: Helmut Reinalter (Hg.), Lexikon der Geisteswissenschaften, Köln/Weimar/Wien 2011, S. 9–14; Elke Stein-Hölkeskamp, Karl-Joachim Hölkeskamp (Hg.), Erinnerungsorte der Antike, München 2006 (Die römische Welt)/2010 (Die griechische Welt); Susanne Muth (Hg.), Laokoon. Auf der Suche nach einem Meisterwerk (Ausst.-Kat. Berlin, Humboldt-Universität), Rahden 2017; Annette Brunner (Hg.), Renaissancen. Antikenrezeption in der angewandten Kunst des 15. bis 19. Jahrhunderts (Ausst.-Kat. Hannover, Kestner-Museum), Hannover 2003; Erwin Panofsky, Die Renaissancen der europäischen Kunst, Frankfurt a. M. 1979 (engl. Erstausg. 1960), S. 167–215 (Renaissance der Antike: Das 15. Jahrhundert); Vinzenz Brinkmann (Hg.), Zurück zur Klassik. Ein neuer Blick auf das alte Griechenland (Ausst.-Kat. Frankfurt a. M., Liebighaus), München 2013

SE

Prof. Dr. Isabelle Dolezalek 

BA+MA

BA KuWi2; BA KuWi5; MA KuWi1

Mittwoch 9-12 Uhr

A072 und diverse Museen

Im Frühjahr 2025 wurde im Bode-Museum ein Raum für Achtsamkeit und Meditation eingerichtet. Er lädt zur Entschleunigung ein, zum Schlendern und zu einer sinnlichen, berührenden Annäherung an die ausgestellten Werke. Das Projekt will das Museum zu einem Raum für emotionale Heilung machen – begründet in der Wirkmacht subjektiver, körperlicher Kunsterfahrung und der Kontemplation, einer auf Erkenntnis zielenden Praxis der genauen Betrachtung. Anknüpfend an dieses Museumsexperiment, untersucht das Seminar historische Praktiken der Kontemplation, aber auch der körperlich-sinnlichen Erfahrung von Kunst im europäischen Mittelalter und in der Frühen Neuzeit.

Ziel des Seminars ist es, historische Wahrnehmungskontexte und das jeweils damit verbundene Bildverständnis zu recherchieren, aber auch die Aktualität historischer kontemplativer Praktiken für die heutige Zeit zu diskutieren.

Teilnahmebeschränkung: 20 Personen (Vorrang haben Studierende, die im letzten Semester keinen Platz bekommen konnten und auf der Warteliste eingetragen sind)

Literatur

Mary J. Carruthers, The Craft of Thought. Meditation, Rhetoric, and the Making of Images, 400–1200, Cambridge 1998.

SE
Isabelle Dolezalek mit Marie Hartmann
BA, MA
BA KuWi 5; BA KuWi 6; MA KuWi 1; MA KuWi 6a
Donnerstag, 10-12 Uhr
Seminarraum A 072

In Zeiten geopolitischer Konflikte um Rohstoffe gewinnt die Frage nach der Gewinnung und Zirkulation von Materialien zunehmend an Relevanz. Ein materialzentrierter Blick eröffnet auch für mittelalterliche und frühneuzeitliche Artefakte neue Perspektiven, da ihre unterschiedlichen Materialien jeweils eigene Provenienzen, Zeitlichkeiten und Wissensformen miteinander verschränken.

Das Seminar untersucht ausgewählte Artefakte aus dem Kunstgewerbemuseum (SMB), deren Bedeutung sich nicht allein aus Form, Funktion oder Ikonographie erschließt, sondern ebenso aus dem Zusammenspiel von Werkstoffen und Techniken. Einige Werke stellen ihre Bestandteile demonstrativ zur Schau, etwa Arbeiten aus Nautilusmuscheln, Bergkristall oder wertvollen Seiden. Die in ihnen verwendeten Materialien tragen dabei vielfältige Bedeutungsschichten: Sie können Spuren von Herkunft, Verarbeitung, Besitz oder Zuschreibung bewahren und diese sichtbar machen. Andere Objekte wiederum zielen darauf ab, ihre materiellen Ursprünge gezielt zu verschleiern oder gar legendarische Erzählungen zu fingieren – etwa wenn Wisenthorn als Greifenklaue oder Narwalzahn als Einhorn ausgegeben wird. Provenienzketten vermitteln sie sowohl über sinnlich erfahrbare Eigenschaften wie Glanz, Gewicht, Haptik oder Geruch als auch über schriftlich oder mündlich überliefertes Materialwissen.

Ziel des Seminars ist es, die materielle Zusammensetzung ausgewählter Objekte zu verstehen, die Herkunft ihrer einzelnen Komponenten zu recherchieren und zu untersuchen, wie diese in vormodernen Wissens- und Wertesystemen verortet wurden.

Hinweis:
Das Seminar ist auf 20 Teilnehmer*innen beschränkt.

Literatur

Anderson, Christy, Dunlop, Anne u. Pamela H. Smith, The Matter of Art: Materials, Practices, Cultural Logics, c. 1250–1750. Manchester 2015.

Fricke, Beate; Lehmann, Anne-Sophie, „Materials Matter“,
Kunstchronik. Monatsschrift für Kunstwissenschaft 77/7 (2024), S. 357-364.

Lehmann, Anne-Sophie, „How Materials Make Meaning“,
Nederlands Kunsthistorisch Jaarboek / Netherlands Yearbook for History of Art 62 (2012), S. 6-27.

Raff, Thomas, Die Sprache der Materialien. Anleitung zu einer Ikonologie der Werkstoffe, München 2008.

SE

Dr. Robert Skwirblies

BA

BA-KulT KuWi 3, 5, 7

Di 14-16

A-F 072

Das nicht mehr ganz junge 19. Jahrhundert war in Berlin wie im übrigen Europa von widersprüchlichen Entwicklungen geprägt: politische Restauration und gescheiterte Utopien einerseits, Fortschreiten in Industrie, Handel und Wissenschaften andererseits. Zu letzterem gehören auch die Künste, die in der Residenzstadt der Mittelmacht Preußen zwischen 1820 und 1850 zwar kaum überregionale Bedeutung hatten, aber für die Stadtidentität eine nachhaltige Bedeutung erlangten. Das Seminar nimmt sowohl die Malerei (Gärtner, Krüger, Hensel u.a.), als die Skulptur (Schadow, Rauch), Architektur (Schinkel, Stüler) und das Kunstgewerbe (Porzellan, Möbel, Kunstschmiede) in den Blick. Die nur bedingt passenden Begriffe von Biedermeier und Vormärz treten dabei in den Hintergrund: Die kulturhistorische Kontextualisierung der Kunstlandschaft Berlin ist ein vorrangiges Ziel des Seminars, wozu auch Quellen und Literatur zur Stadt- und Literaturgeschichte herangezogen werden. 

Literatur zur Einführung:

Ilja Mieck, Von der Reformzeit zur Revolution (1806-1847), in: Wolfgang Ribbe, Geschichte Berlins, Bd. 1, Berlin 2002, S. 407-600; Irmgard Wirth, Berliner Malerei im 19. Jahrhundert: Von der Zeit Friedrichs des Großen bis zum Ersten Weltkrieg, Berlin 1990; Hans Ottomeyer/ Paul Asenbaum (Hg.), Biedermeier: Die Erfindung der Einfachheit (AK Berlin/Milwaukee/Paris), Ostfildern 2006; Gerhard Wolf (Hg.), Rückwärts gehen die Krebse gern, vorwärts eilt die Zeit: Berliner Biedermeier in Vers und Prosa, Berlin 1988; Paul Weiglin, Berliner Biedermeier. Leben, Kunst und Kultur in Alt-Berlin zwischen 1815 und 1848, Bielefeld 1942

SE

Isabelle Dolezalek

BA, MA

Dienstag, 12-14 Uhr

Diathek

Das Seminar bietet eine Einführung zu zentralen Bildmotiven der christlichen Ikonographie mit einem Schwerpunkt auf den Bildkünsten des Mittelalters. Ein Ziel des Seminars ist es, die grundlegenden ikonographischen Muster der christlichen Kunst zu erkennen und deren Entwicklung im jeweiligen historischen Kontext nachvollziehen zu können. Zugleich soll der Blick für die Wiederverwendung und Transformation religiöser Bildformeln in modernen und zeitgenössischen Kontexten geschärft werden, etwa in Pressefotografie, politischer Bildsprache, aktueller Kunst, oder Social Media.

Vorkenntnisse sind nicht erforderlich; die Bereitschaft zur intensiven Bildanalyse und -recherche und zur Lektüre grundlegender Texte wird vorausgesetzt.

Literatur und Links (Auswahl)

The Visual Commentary on Scripture: https://thevcs.org

Schlüssel zur christlichen Kunst: https://www.smb.museum/museen-einrichtungen/bode-museum/ausstellungen/schluessel-zur-christlichen-kunst/

Engelbert Kirschbaum/Wolfgang Braunfels, Lexikon der christlichen Ikonographie (Bd. 1-8), Rom 1968-1976.

Prof. Dr. Kerstin Wittmann-Englert, zusammen mit Alina Möhrer M.Sc.

BA KuWi 3, BA KuWi 7, MA KuWi 2, MA KuWi 4, MA FW

Montag, 14.00-16.00 Uhr

A 072

Welche architektonischen Leitbilder prägten die DDR – und wie manifestierten sie sich im gebauten Raum? Diese Frage bildet den Ausgangspunkt des Seminars, das sich der Architekturentwicklung Ostdeutschlands – insbesondere Ostberlins – zwischen 1945 und 1989 widmet. Trotz des großen Facettenreichtums und der regional sehr unterschiedlichen Ausprägungen wird das architektonische Erbe der DDR bis heute vielfach verkürzt dargestellt und nicht selten auf den industriellen Wohnungsbau oder „Plattenbau“ reduziert. Eine differenzierte Analyse dieses Erbes erscheint somit nicht nur architekturhistorisch notwendig, sondern auch für das Verständnis der Geschichte der DDR und insbesondere Berlins entscheidend. Auf der Grundlage zeitgenössischer Texte, architekturtheoretischer Schriften und städtebaulicher Leitlinien wie den „16 Grundsätzen des Städtebaus“ werden wir zentrale Diskurse der DDR-Architektur erschließen und ihre Auswirkungen auf die Baupraxis des sozialistischen Staates nachvollziehen. Das Seminar behandelt die zentralen Phasen der Architektur der DDR – von der „Nationalen Tradition“ der 1950er Jahre über den industriellen Wohnungsbau und die „sozialistische Umgestaltung der Stadtzentren“ bis hin zu den postmodernen Tendenzen der 1980er Jahre. Mehrere Seminareinheiten finden vor Ort an ausgewählten Berliner Bauten statt, um die theoretisch erarbeiteten Inhalte direkt am Objekt nachzuvollziehen. Im Mittelpunkt steht die Analyse von Kontinuitäten und Brüchen: Welche architektonischen Elemente knüpfen an frühere Traditionen und sozialistische Vorbilder an, wo entstanden bewusst neue, eigenständige Ansätze, und welchen Einfluss hatte – insbesondere in Berlin – die unmittelbare Nachbarschaft zum „imperialistischen Westen“? Ziel des Seminars ist es, die Architektur der DDR in ihrer Vielschichtigkeit zu verstehen und ihre Bedeutung für die deutsch-deutsche Architekturgeschichte differenziert zu reflektieren.

Literaturhinweise:

Angermann, Kirsten: Die ernste Postmoderne: Architektur und Städtebau im letzten Jahrzehnt der DDR. Weimar 2025; Durth, Werner; Düwel, Jörn; Gutschow, Niels  Architektur und Städtebau der DDR. 2 Bände. Frankfurt a.M. 1999; Hannemann, Christine:  Die Platte: industrialisierter Wohnungsbau in der DDR. 3. Aufl. Berlin 2005; Hillmann, Roman; Bräuer, Michael: Moderne Architektur der DDR: Gestaltung, Konstruktion, Denkmalpflege. Leipzig 2020; Hoscislawski, Thomas: Bauen zwischen Macht und Ohnmacht: Architektur und Städtebau in der DDR. Berlin 1991; Topfstedt, Thomas: Städtebau in der DDR 1955 - 1971. Leipzig 1988.